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音樂是如何創造出來的?

2020-1-21 11:36| 發布者: 音樂堂| 查看: 65| 評論: 0

摘要: 對大多數人來說,作曲家是個神秘的人物。每當談到一首樂曲是如何寫成的時候,聽眾往往是一頭霧水。作曲家是從什么地方開始...

 


對大多數人來說,作曲家是個神秘的人物。每當談到一首樂曲是如何寫成的時候,聽眾往往是一頭霧水。


作曲家是從什么地方開始創作的,他怎么能持續不斷地寫下去,換句話說,他是怎么學會這門手藝的,從哪兒學會的,這一連串的疑問,就像無法穿越的黑暗一般。
首先是靈感問題,很多人希望知道它與音樂創作有什么關系。當發現作曲家并不像他們想象的那樣,整天思考這個問題,人們幾乎感到難以置信。對作曲家來說,作曲是自然而然的事,外行總是很難覺察到。


作曲是作曲家的天職,就像吃飯睡覺一樣,是作曲家生來就該做的事。因此,面對靈感問題,作曲家不會對自己說,“我有靈感嗎?”,而是說,“我今天想寫點什么嗎?”
假如他想,他就去寫曲子。這有點兒像自己問自己,“我困嗎?”如果你覺得困,你就去睡覺;如果不困就不睡。假如作曲家不想寫,他就不寫。這事兒就這么簡單。


當然,作品寫完以后,每個作曲家都希望別人說,這首作品是在靈感激發之下創作的。他本人也希望如此,不過這只是事后的說法而已。
還有一個問題引起大多數人的好奇心,“你作曲的時候,用不用鋼琴?”有一種流行的看法認為,使用鋼琴作曲不體面。人們會聯想到,貝多芬在田野里作曲的情景。


可是,只要稍加思考就明白,如今不用鋼琴是難以想象的,作曲已經不像莫扎特和貝多芬時代那么簡單了,其中一個原因就是和聲比過去復雜多了。
還有一個問題引起大多數人的好奇心,“你作曲的時候,用不用鋼琴?”有一種流行的看法認為,使用鋼琴作曲不體面。人們會聯想到,貝多芬在田野里作曲的情景。


可是,只要稍加思考就明白,如今不用鋼琴是難以想象的,作曲已經不像莫扎特和貝多芬時代那么簡單了,其中一個原因就是和聲比過去復雜多了。
當今的作曲家很少有不參考鋼琴的效果,就能把整首作品寫下來的。事實上,斯特拉文斯基在他的《自傳》中說,不用鋼琴作曲是錯誤的,作曲家一刻也離不開“音響材料”。


這樣說未免走到另外一個極端,不過說到底,怎么寫是作曲家個人的事情,方法并不重要,重要的是結果。
作曲家不知道這個主題是從哪里冒出來的,這種情況他控制不了。而它可能以各種各樣的形式出現。可能是一個旋律,也可能是一種伴奏音型。所有這些,都是樂思在作曲家腦海里呈現的不同方式。


有了樂思,作曲家就開始盤算,想看看線條起伏的樣子或者方式。就好像這個線條是畫出來的,而不是音樂的線條。他甚至打算加以潤色,就像在作畫時進行修改一樣。如此這般,旋律線的起伏就可以得到改進。
作曲家不知道這個主題是從哪里冒出來的,這種情況他控制不了。而它可能以各種各樣的形式出現。可能是一個旋律,也可能是一種伴奏音型。所有這些,都是樂思在作曲家腦海里呈現的不同方式。


有了樂思,作曲家就開始盤算,想看看線條起伏的樣子或者方式。就好像這個線條是畫出來的,而不是音樂的線條。他甚至打算加以潤色,就像在作畫時進行修改一樣。如此這般,旋律線的起伏就可以得到改進。
經過對主題素材的審視之后,作曲家必須決定采用哪種音響媒介最為合適。是適合交響樂的主題呢,還是由于性質上更私密,更適合弦樂四重奏呢?有的時候在弄清最恰當的音響媒介之前,作曲家的創作已經完成一半了。


接下來的工作是最為艱巨的,就是把所有的素材都“焊接”起來,使它們成為一個連貫的整體。作曲家的任務,是要使聽音樂的人,始終知道自己聽到了哪個段落,開始段、中間段,還是結束段。重要的是,整首作品的安排必須巧妙,看不出“焊接點”在哪里。
從字面上說,一首好的樂曲必須給人一種流動感,一種從第一個音符到最后一個音符的連貫感。音樂學院所有低年級的學生都知道這個原理,而一旦運用了這個原理,就是向最偉大的作曲家提出挑戰!


一首偉大的交響曲就像一條密西西比河,從出發那一刻起,它就不可阻擋地流向遙遠的、可以預見的終點。


音樂必須永遠是流動的,從這個意義上說,這是它的本質,而這種連續性和流動性,也就是那條“長線”的創造,是決定每個作曲家成敗的關鍵。







 


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